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Up until two years ago, I spent most of my artistic journey worried and struggling about style. I felt that if I didn't have a style, I didn't have a personality as an artist. I used to put too much pressure on myself with each illustration and became obsessed with finding a signature style.

"Consistent portfolio" is the rule and the feedback you hear over and over but no one tells you that it is normal to not have it for a period of time. There is more talk about having a consistent style than insights on how to achieve it. Style doesn't simply find you; that is a lie. People say, “Keep making art, and the style will show up.” Well, you can do a lot of work and never find it if you don’t know how to identify what you are looking for. It is through continuous practice and research that you will start understanding your style.

So, I'm going to share with you the tips that I've learned and that have helped me loosen up and finally begin developing my style.

1. Define your path, filter your references.

Figuring out what you want your art to look like means distinguishing between styles you genuinely gravitate towards to and those you appreciate solely for their appearance. It’s about taking as reference what truly resonates with you, it’s that thing that someone did that makes you go: wow, how did they do that? I want to learn that. We have to dissect between what we like in terms of style and what we like only because it looks pretty to us. There is art you consume and art you want to produce.

This difference took me a long time to learn because I wanted to do everything I liked. Realistic, abstract, linear, cartoonish—I was all over the place, and my portfolio reflected that. It’s necessary to reject references that do not align with the future vision you have for your style and say: "This art style is beautiful, but it’s not the art that I want to make." But again, it takes time, and now that I look back, I think being “all over the place” was and is fine too. It allows you to grow and explore different art styles. There is some artwork I still love to this day and had so much fun creating, but now I know myself better and understand my voice more.

How you can find yours? I recommend making a vision board/mood-board and start saving art that you like—whether by color themes, line, characters, etc. fill it with references until you feel you have a good number of images. Remember, think twice about whether it's something you like, something that calls to you in terms of style, or if it's something you just find cute. After you do this, study this folder. Write down the consistencies. What do you like? Is it the specific way an artist colors, makes lines, uses shadows, lights? Is the funny way they design characters? Are the shapes or the textures appealing to you?. Take some time to write it all down and find the connections.

Once you do all of this, you’ll see that the path will start to form itself and you will get an understanding of the things you like. Finding your style is just really about getting to know yourself and knowing what you like.

This is what my mood-board looks like:

What I could deduce about my art inclination from this practice was:

I like flat shapes and bent perspectives.
I don't like to use a very wide color palette or render too much.
I like the "unfinished" look and imperfect lines.
I like to simplify shapes, objects and characters.
I like textures and vibrant strong colors like: red, pink, black, yellow.
I like to play with negative space.

2. Do studies.

It's normal that when you start, you don't have a fully developed idea of how you want your art to look. It's normal that you don't magically know how to draw things from your head and use references and it's normal that you try to copy or imitate the style of artists you admire. When you copy the work of artists you like, you get an idea of their techniques and creative decisions, it's as if while doing this you can think like them.

You can start calling this a case study or, in illustration terms, master copies. A master copy is basically an exact reproduction of other artists work. This will help you discover what is it that you like about that particular artist or illustration. It’s important that the end goal of this is not to replicate their work and take credit, but to use what you have learn from these copies to create your own artwork. There's no need to hide your influences or references, nor should you feel embarrassed. This isn't necessarily artwork meant for public display; it is for your personal growth. So, don’t be afraid of judgement. If you do share it, be transparent about its origin: "Master copy based on [artist's name]'s work." That's all. This practice is really a game changer.

I did one based on Oliver Jeffers artwork to learn more about his use of colors and character design. By the way, this is not the same as tracing nor can you copy colors with the eyedropper tool. You have to do everything from scratch and also be able to find the colors on your own.

3. Identify your artistic medium.

While I was in my digital transition, there was this voice in my head telling me that I was less of an artist for doing digital art. Society's idea of an artist is someone covered in paint, wearing an apron, with stacks of canvases around the house. And although I longed to be that, it can happen that I might never be that person. Because I didn't fit into that stereotype or description, I tried to hold back and insisted on doing more traditional art trying to prove myself as a real artist. I have to be honest—much as I love traditional art, it takes me more time and effort. It requires more concentration, it's hard for me to let go because I'm a perfectionist, and I struggle to achieve the same level of productivity.

My beginnings were traditional because I didn't have the means to buy an iPad or graphics tablet. Once I had them, I felt more drawn to digital art. This transition happened very naturally for me, and I loved it! I'm not less of an artist because of that. In fact, there are so many things you can do digitally—you can create digital art that looks traditional, and you can also combine both. This applies to both mediums; if you're a traditional artist, there's nothing wrong with not doing digital art either. Find the medium that you like and enjoy the most to start.

Nowadays, I use traditional art as a medium for exploration. It's art that I don't need to show; it's my laboratory where I experiment outside the framework of social media and external opinions.

Whether you create traditional or digital art, it should be because you want to, not because you feel pressured to work with something you're not comfortable with. There are many enjoyable aspects to both mediums, and both are important. The medium doesn't make you an artist; it's what you do with it.

4. Position yourself in the art industry. Find your place.

You have to decide where you want to go and which market you want to work in. I studied both arts and graphic design, and while it was beneficial to gain insights from both fields simultaneously, it often felt like I did not master or knew either one completely. While learning art, I wasn’t taught about the various ✨art industries✨ (at least not that I remember). That was something I had to figure out on my own. The moment I learned about them, everything made sense to me.

Some people think because you are an artist you can do it all-and you could, but sometimes we are simply lost doing art for different industries because we don’t know where we belong. This is also confusing when it comes to pricing our work because each industry has different standards.

Ask yourself, is it Publishing? Editorial illustration? Fashion? Concept art? Animation? Decorative art? Fine art? Surface and pattern designs? Stationery? Portraits? Advertising? Although all fall within the realm of illustration, each industry is a different world. Do some research, choose the one you like and see the type of art being done in these industries. Is it the art that you like? Do you see yourself working in these areas?.

This might not seem relevant to developing your style, but it was to me. It gave me so much direction. I spent too much time doing all kinds of art until I learned that what I liked was called sequential art or visual storytelling, which includes comics, graphic novels, and book illustration, fitting into the publishing industry. Once I had a name, I could do proper research and learn more about this world, and I truly feel that I've found where I belong.

Lastly, style develops over time and through extensive practice. Look for what you do that doesn’t feel like you are fighting every stroke, but rather flows naturally as you create art. Over time, you'll notice things within your process that feel comfortable to you, things you enjoy, patterns and preferences in your choices. Pay close attention to these recurring choices, whether they involve specific drawing techniques, color combinations, shapes that attract you, or themes you love exploring. It's all about the small choices you make.

I hope this helps you 🖤 If you make your list, please let me know in the comments! I'm curious to hear what you discover about yourself. You can comment as a guest or subscribe to receive my blog posts.
xo,
Em

Cómo encontrar tu estilo

Hasta hace dos años, pasé la mayor parte de mi trayectoria artística preocupada y luchando por encontrar mi estilo. Sentía que si no tenía un estilo, no tenía personalidad como artista. Solía presionarme demasiado con cada ilustración y me obsesionaba encontrar un estilo que me caracterizara.

"Portafolio consistente" es la regla en el mundo del arte y es el comentario que escuchas una y otra vez, pero nadie te dice que es normal no tenerlo durante un tiempo. Se habla más sobre la importancia de tener un estilo consistente que sobre cómo lograrlo. El estilo no aparece de repente; eso es mentira. La gente dice: "Sigue haciendo arte y el estilo aparecerá". Bueno, puedes trabajar mucho y nunca encontrarlo si no sabes identificar qué es lo que estás buscando. Es a través de la práctica continua y la investigación que comenzarás a entender y a descubrir tu estilo propio.

Voy a compartir contigo algunos tips que he aprendido y que me han ayudado a relajarme y finalmente comenzar a desarrollar mi estilo.

1. Define tu camino, filtra tus referencias.

Descubrir cómo quieres que se vea tu arte implica saber distinguir entre los estilos hacia los que genuinamente te sientes atraídx y aquellos que aprecias únicamente por su apariencia. Se trata de tomar como referencia lo que realmente resuena contigo, eso que alguien hizo que te hizo decir: wow, yo quiero hacer eso. Debemos diferenciar entre lo que nos gusta en términos de estilo y lo que nos gusta solo porque nos parece bonito. Hay arte que consumes y arte que quieres producir.

Esta diferencia me llevó tiempo aprenderla porque quería hacer todo lo que me gustaba. Realista, abstracto, lineal, caricaturesco... estaba en todas partes, y mi portafolio reflejaba eso. Es necesario rechazar las referencias que no se alinean con la visión que tienes para tu estilo y decir: "este estilo de arte es hermoso, pero no es el arte que quiero crear". Pero nuevamente, lleva tiempo, y ahora que miro hacia atrás creo que estar "en todas partes" está bien también. Te permite crecer y explorar diferentes estilos artísticos. Hay cosas que hice que aún amo hasta el día de hoy y que disfruté mucho creando, pero ahora me conozco mejor y entiendo más mi voz.

¿Cómo puedes encontrar la tuya? Te recomiendo hacer una mood-board y comenzar a guardar arte que te guste, ya sea por temas de color, líneas, personajes, etc. Llénala con referencias hasta que sientas que tienes una buena cantidad de imágenes. Recuerda pensar dos veces si es algo que te gusta, algo que te llama en términos de estilo, o si es algo que simplemente te parece lindo. Después de hacer esto, estudia esta carpeta. Escribe las consistencias. ¿Qué te gusta? ¿Es la forma específica en que un artista colorea, hace líneas, usa sombras, luces? ¿Es la forma divertida en que diseña personajes? ¿Te atraen las formas o las texturas? Tómate un tiempo para escribir todo esto y encontrar las conexiones.

Una vez que hagas todo esto, verás que el camino comenzará a formarse por sí mismo y comprenderás las cosas que te gustan. Encontrar tu estilo realmente se trata de conocerte a ti mismx y saber lo que te gusta.

Así es cómo se ve mi mood-board:

Lo que pude deducir sobre mis inclinaciones artísticas a partir de esta práctica fue:

Me gustan las formas planas y las perspectivas dobladas/sin profundidad.
No me gusta usar una paleta de colores muy amplia ni hacer demasiado renderizado.
Me gusta el aspecto "inacabado" y las líneas imperfectas.
Me gusta simplificar formas, objetos y personajes. Good bye realistic anatomy!
Me gustan las texturas y los colores vibrantes y fuertes como: rojo, rosa, negro, amarillo.
Me gusta jugar con el espacio negativo.

2. Haz estudios.

Es normal que cuando comienzas, no tengas una idea completamente desarrollada de cómo quieres que se vea tu arte. Es normal que no sepas mágicamente cómo dibujar cosas de tu cabeza y que uses referencias, y es normal que intentes copiar o imitar el estilo de los artistas que admiras. Cuando copias el trabajo de los artistas que te gustan, te haces una idea de sus técnicas y decisiones creativas, es como si al hacer esto, pudieras pensar como ellos.

Puedes empezar llamando a esto un estudio o análisis del estilo ilustrativo de cierto artista. En ilustración a esto se le llama: Copias maestras/Master copies. Una copia maestra es básicamente una reproducción exacta del trabajo de otros artistas. Esto te ayudará a descubrir qué es lo que te gusta de ese artista o de la ilustración en particular. Es importante que el objetivo final de esto no sea replicar su trabajo y tomar crédito, sino usar lo que has aprendido de estas copias para implementarlo en tu arte. No hay necesidad de que ocultes tus influencias o referencias, ni tampoco deberías sentirte avergonzadx por tenerlas. Estos estudios u obras de arte no tienen que ser exhibidas ni publicadas; es para ti, para tu crecimiento personal. No tengas miedo al juicio. Si decides compartirlo, sé transparente sobre su origen: "Copia maestra basada en el trabajo de [nombre del artista]." Eso es todo. Hacer esto me ayudó muchísimo a mejorar mi ojo artístico.

Hice una basada en el trabajo de Oliver Jeffers para aprender más sobre su uso de colores y diseño de personajes. Por cierto, esto no es lo mismo que calcar ni puedes copiar colores con la herramienta cuentagotas. Tienes que hacerlo todo desde cero y también ser capaz de encontrar los colores por tu cuenta.

3. Identifica tu medio artístico.

Durante mi transición al arte digital, había una voz en mi cabeza que me decía que era menos artista por hacer arte digital. La idea que tiene la sociedad de un artista es alguien cubierto de pintura, con un delantal y montones de lienzos por toda la casa. Y aunque amo esa idea romantizada y deseo ser así, puede que nunca lo sea. O quizás no estoy aún en esa etapa artística. Por no encajar en ese estereotipo o descripción, intenté contenerme e insistir en hacer más arte tradicional para demostrarme a mí misma que era una verdadera artista. Honestamente, por mucho que ame el arte tradicional, me toma mucho más tiempo y esfuerzo. Requiere más concentración y precisión, para mí es difícil soltarme porque soy muy perfeccionista, y me cuesta lograr el mismo nivel de productividad.

Mis inicios fueron tradicionales porque no tenía los medios para comprarme un iPad o una tableta gráfica. Una vez que los tuve, me sentí más atraída por el arte digital. Esta transición ocurrió de manera muy natural para mí, ¡y me encantó! No soy menos artista por eso. De hecho, hay tantas cosas que puedes hacer digitalmente, puedes crear arte que parezca tradicional y también puedes combinar ambos. Esto aplica para ambos casos; si eres un artista tradicional, tampoco hay nada malo en no hacer arte digital. Encuentra el medio que te guste y disfrutes más para comenzar.

Hoy en día, uso el arte tradicional como un medio de exploración. Es arte que no necesito mostrar; es mi laboratorio donde experimento fuera del marco de las redes sociales y opiniones externas.

Ya sea que crees arte tradicional o digital, debe ser porque quieres, no porque te sientas presionado a trabajar con algo con lo que no te sientes cómodo. Hay muchos aspectos disfrutables en ambos medios, y ambos son importantes. El medio no te hace un artista; es lo que haces con él.

4. Posiciónate en la industria del arte. Encuentra tu lugar.

Debes decidir a dónde quieres ir y en qué mercado quieres trabajar. Estudié tanto artes como diseño gráfico, y aunque fue beneficioso obtener conocimientos de ambos campos simultáneamente, siempre sentí que no dominaba ni conocía completamente ninguno de los dos. Mientras aprendía arte, no me enseñaron sobre las diversas ✨industrias del arte✨ (al menos no que recuerde). Eso fue algo que tuve que descubrir por mi cuenta. El momento en que aprendí sobre ellas, todo tuvo sentido para mí.

Algunas personas piensan que porque eres artista puedes hacerlo todo, y que seguro puedes, pero a veces estamos simplemente perdidos haciendo arte para diferentes industrias porque no sabemos en dónde pertenecemos. Esto también es confuso a la hora de cotizar nuestro trabajo ya que cada industria tiene diferentes estándares y precios.

Pregúntate, ¿es Publicación? ¿Ilustración editorial? ¿Moda? ¿Arte conceptual? ¿Animación? ¿Arte decorativo? ¿Artes Plásticas? ¿Diseños de superficies y patrones? ¿Papelería? ¿Retratos? ¿Publicidad? Aunque todas caen dentro del ámbito de la ilustración, cada industria es un mundo diferente. Investiga un poco, elige la que te guste y observa el tipo de arte que se está haciendo en estas industrias. ¿Es el arte que te gusta? ¿A qué industria sientes que perteneces?.

Esto puede parecer irrelevante para desarrollar tu estilo, pero fue algo que me dio mucha dirección. Pasé demasiado tiempo haciendo todo tipo de arte hasta que aprendí que lo que me gustaba se llama arte secuencial o arte narrativo, que incluye cómics, novelas gráficas e ilustración de libros, encajando en la industria editorial. Una vez que tuve un nombre, pude investigar adecuadamente y aprender más sobre este mundo, y realmente siento que he encontrado dónde pertenezco.

Por último, el estilo se desarrolla con el tiempo y con mucha práctica. Busca lo que haces que no sientas que estás luchando con cada trazo, sino que fluye de manera natural mientras creas arte. Con el tiempo, notarás cosas en tu proceso que te resultan cómodas—cosas que disfrutas, patrones y preferencias en tus elecciones. Presta mucha atención a estas elecciones recurrentes, ya sea que involucren técnicas de dibujo específicas, combinaciones de colores, formas que te atraen o temas que amas explorar. Se trata de las pequeñas elecciones que haces.

Espero que esto te ayude 🖤 Si haces tu lista, ¡ponla en los comentarios! Me da curiosidad saber qué cosas descubres de ti mismx. Puedes comentar como invitado o suscribirte para recibir mis publicaciones.
xo,
Em